클래식 <발레> 가장 원초적인 형식의 춤, 이야기 방식, 음악 5 선

 

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"발레"는 인간이 표현하는 가장 원초적인 형식

클래식에 대표적인 분야 중에 하나인 "발레"는 인간이 표현하는 가장 원초적인 형식의 표현 방식이며 음악과 어우러져 감정을 표현하는 가장 대표적인 분야입니다. 아름다운 선과 다양한 형식을 통해서 우리의 감성을 자극하며 사람의 감성을 자극하여 부드러움과 편안함 그리고 즐거움을 줍니다.

 

발레는 세기를 초월하여 우아함과 안정감으로 무대를 장식해 온 무용의 한 형태입니다. 정교한 움직임과 감정적인 스토리텔링으로 특징지어진 이 예술 표현은 르네상스 시대로 거슬러 올라가는 풍부한 역사를 자랑합니다. 

 

 

 

발레의 뿌리

 

 "발레"는 이탈리아 르네상스 궁정에서 찾을 수 있으며, 여러 꾸밈이 돋보이는 궁정 연극에서 진화했습니다. 세기를 거쳐 유럽 전역으로 퍼져가면서 각 지역은 이 춤에 고유의 특색을 더해갔습니다.

 

17세기에는 프랑스와 이탈리아의 영향이 결합되어 오늘날 우리가 알아보는 고전 발레 스타일을 탄생시켰습니다. 19세기에는 러시아에서 발레의 황금시대가 도래했고, 마리우스 페티파(Marius Petipa)와 같은 전설적인 키리오그래퍼들이 그 화려함을 형성했습니다.

 

20세기에는 조지 발란샤인(George Balanchine)과 같은 키리오그래퍼들이 신고전적인 스타일을 소개하며, 현대 발레는 전통과 현대성의 동적인 융합으로 나타났습니다. 발레가 고전적인 본질을 보존하면서 진화하는 능력은 그 지속적인 매력을 증명하는 것입니다.

 

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발레의 마법적인 이야기를 전달하는 방식

발레의 전달 방식

 

"발레"는 단순한 춤이 아니며 각각의 움직임과 활동성, 도약, 섬세한 터치마다 이야기를 전달하는 수단입니다.

대표적으로"차이코프스키"의 "백조의 호수"의 경우 고전적인 발레의 장점으로, 무용수들의 매혹적인 우아함을 통해 사랑, 구원 그리고 배신등의 이야기를 전달합니다.

 

매년 마법적인 여정을 통해 관객들의 감성 속에 빠져들게 하는 "호두까기 인형" 또한 무용수들의 이야기 전달성을 확인해 줍니다. 20세기로 들어와 이고르 스트라빈스키(Igor Stravinsky)의 "봄의 제전"은 아방가르드한 음악과 바슬라프 니진스키(Vaslav Nijinsky)의 혁신적인 키리오그래피로 발레를 혁명화했습니다. 

 

이러한 발레 작품들은 무용수들의 기술적 능력뿐만 아니라 무용의 감정적인 힘을 보여주고 있습니다.

 

 

 

중추적인 발레에 클래식 역활

 

발레는 음악과 함께 상호 작용을 하며 무용수의 떨림과 움직임에 따라 더욱 큰 반향을 일으켜 관객에게 전달성을 증진시킵니다. 프로코피에프(Prokofiev)의 "로미오와 줄리엣"은 감동적인 스코어를 통해 감정적인 이야기를 더욱 강조합니다. 현대적인 영역으로 나아가면 필립 글라스(Philip Glass)와 아르보 페르트(Arvo Pärt)와 같은 작곡가들이 키리오그래퍼들과 협력하여 전통의 경계를 넘어선 발레를 창조했습니다.

 

 

르네상스 궁정에서의 기원부터 21세기의 웅장한 무대에 이르기까지 발레는 우아함과 감정으로 관객의 마음을 사로잡아 왔습니다. 발레는 역사, 움직임 및 예술적인 표현의 심포니의 복합적인 심포니를 창조합니다. 이 시대를 초월한 춤과 우아함과 감성적인 표현을 통해서 시적인 음절에 빠져들게 만들며 단순한 공연을 떠나 영감을 주는 시간을 지배하는 춤인 것이 분명합니다.

 

클래식 음악이 발레에 전해주는 것

 

클래식 음악은 바로크시대 발레의 우아함과 전달력 확장으로 함께 울려 퍼집니다. 

 

17세기 프랑스 작곡가 장 밥티스트 루리는 발레 음악 형성의 선구자로 여겨집니다. 그는 유명한 안뇨르와의 협력을 통해 음악과 춤을 통합하는 데 중요한 역할을 했습니다. 

 

루리의 작품은 그의 아름답고 고귀한 음색으로 발레와 동의어일 웅장함을 위한 무대를 마련했습니다. 이러한 초기 작품의 울림은 여전히 고전 발레에서 들을 수 있는데, 그것은 우리를 이 황홀한 예술 양식의 역사적 기원과 연결시킵니다.

 

20세기로 접어들면서 이고르 스트라빈스키의 선구적인 작품과의 협업은 "봄의 축제"를 통해 혁명적인 악보들을 제시했습니다. 스트라빈스키의 아방가르드한 접근은 발레 음악의 전통적인 규범을 깨고 발레 음악의 패러다임 전환을 야기했습니다.

 

미니멀리즘 작곡으로 유명한 필립 글라스는 제롬 로빈스와 협력하여 혁신적인 발레를 창조했습니다. 글라스의 반복적이지만 매혹적인 멜로디는 발레에 현대적이고 사색적인 차원을 더합니다. 

 

에스토니아 출신의 작곡가 아르보 페르트는 그의 명상적이고 영적인 작업으로 발레계에서 그의 타고난 고향을 찾았습니다. 이 작곡가들은 발레의 황홀한 음악이 현대적이고 적절하도록 보장하면서 전통과 혁신을 완벽하게 융합하여 발레 음악의 지속적인 진화를 보여줍니다.

 

루리의 고귀한 음정에서 스트라빈스키의 혁명적인 발레 음악에 이르기까지, 현대의 유리와 퓌르트의 조화로운 조화에 이르기까지, 발레 음악은 그 풍부한 역사를 간직한 채 진화하고 있는 것으로 보입니다.

 

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가장 많이 사용되는 "발레"음악 5선

 

1.차이코프스키의 "백조의 호수"는 클래식 발레 음악과 동의어가 된 고전적인 발레로, 여신 오데트의 이야기와 완벽하게 어울리는 곡입니다. 라이트모티프의 사용과 웅장한 오케스트레이션은 이 작품을 전 세계의 발레 공연에서 빈번하게 선보이게 했습니다.

 

2. 차이코프스키의  보석인 "씨름사"는 겨울 계절의 축제 분위기를 완벽하게 담은 곡으로, 마법의 "설탕 무당의 춤"과 활기찬 "꽃의 왈츠" 등이 이 작품을 마법 같은 클래식 발레 레퍼토리로 만들었습니다.

 

3. 아돌프 아담 (1841): 아돌프 아담의 "지젤"에 대한 악보는 이 클래식 발레에 어울리는 감미로운 작품입니다. 섬세하고 감정적인 음악은 이야기의 낭만적이고 유령 같은 요소를 더욱 부각합니다. 발레의 두 번째 행동에서 나타나는 에테르레와 같은 순수한 아름다움은 아담의 작곡 능력을 빛내고 있습니다.

 

4.  차이코프스키의 "잠자는 숲 속의 미녀"는 동화적인 분위기를 반영하는 가장 아름다운 발레 중 하나로 꼽힙니다. "장미 아다지오"와 활기찬 "파랑새 파 드 두"는 이 굉장한 작품에서 빛을 발하고 있습니다. 채이코프스키는 음악을 통해 각 캐릭터의 본질을 뛰어날 정도로 잘 표현했습니다.

 

5. 레오 들리브의 "코펠리아"에 대한 유쾌한 악보는 클래식 발레의 세계에 경쾌함을 불어넣습니다. 유명한 "시간의 춤"과 같은 재미있고 매력적인 음악은 발레의 경쾌하고 코믹한 면을 부각합니다. 들리브의 음악은 이 즐거운 발레에서 캐릭터와 장면을 생동감 있게 만들어냅니다.

 

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